compétences en éclairage de scène

Les spectacles de variétés à grand déploiement en soirée sont une forme d'art qui perdure et se développe rapidement. Leurs formes se diversifient sans cesse, avec notamment des soirées de la Fête du Printemps, des soirées spéciales, des soirées commémoratives et des programmes variés. Leurs scènes se complexifient. On y trouve différents types de studios, d'amphithéâtres, de scènes, de stades et de places. Du point de vue du public, le niveau d'écoute est de plus en plus élevé et le public est en constante augmentation. Quant aux programmes, on y trouve de la musique, de la danse, du théâtre et des arts populaires. Si la télévision bénéficie d'une audience élevée et d'un intérêt croissant du public, c'est grâce à son thème unique, à son contenu riche et pertinent, à ses formes originales, à ses scènes grandioses et à son fort attrait artistique. Ceci est également dû à un éclairage et à des équipements de pointe. Il est essentiel de bien choisir l'angle d'éclairage et d'utiliser la lumière de manière judicieuse dans la composition. En tant que concepteur lumière pour un spectacle de variétés, il est donc essentiel de trouver une solution à la fois innovante et pérenne, tant sur le plan des idées que des compétences professionnelles. Il est également essentiel de définir les méthodes et les moyens techniques à utiliser pour concevoir et créer des spectacles répondant aux besoins de la fête. Les exigences générales : comment utiliser les lampes et lanternes existantes, avec différentes sources lumineuses, structures, fonctions et modes de contrôle, pour concevoir l'agencement de l'éclairage, modifier l'angle de projection et la portée lumineuse ; comment utiliser l'intensité lumineuse et les variations d'ombre et de lumière, la conversion des couleurs et leurs différentes combinaisons ; comment colorer et modeler avec précision les décors et les personnages sur le plateau, créer des ambiances lumineuses spécifiques et des effets visuels artistiques variés, pour répondre aux besoins de l'ensemble de la fête ? C'est un défi urgent que les éclairagistes doivent relever.

L'éclairage consiste à localiser l'endroit d'où les lampes projettent la lumière. Le critère objectif de réussite de l'éclairagiste est de donner une impression de réalisme au public. Si le public télévisuel a une impression de faux-semblant et manque de réalisme, l'éclairage est raté. L'utilisation de l'éclairage est un processus important alliant art et technologie. L'éclairagiste doit donc utiliser avec précision différentes méthodes d'éclairage pour gérer l'orientation et la luminosité des différentes sources lumineuses, obtenir l'effet artistique escompté et offrir une meilleure base au contenu du programme et à l'image des personnages. Il s'agit d'ajouter de l'attrait artistique et de l'attractivité.

Il est évident que les ingénieurs lumière doivent posséder une solide culture d'entreprise et un professionnalisme de haut niveau pour utiliser correctement les techniques d'éclairage, ce qui est la clé du succès. Pour apprendre et s'inspirer des expériences d'autres professionnels grâce à sa propre pratique, maîtriser et utiliser les techniques d'éclairage afin que la technologie s'adapte au plus vite aux nouvelles réalités et réponde aux besoins des spectacles de variétés, je pense que nous devons nous concentrer sur cinq caractéristiques, combinant théorie et pratique. Comprendre deux points fondamentaux et trois liens : 1. Clarifier l'objectif de l'éclairage.

L'éclairage doit être adapté aux exigences du réalisateur pour le programme et aux besoins de l'optique de la caméra. Deuxièmement, il faut prêter attention à l'effet lumineux. Il est nécessaire de mettre en valeur l'atmosphère de l'image, mais aussi de respecter les exigences du programme en termes de couleur, de lumière et d'ambiance. Troisièmement, il faut une disposition rationnelle des lampes. La position, l'angle, l'orientation et la luminosité des lampes et des lanternes doivent refléter le réalisme de la scène. Quatrièmement, il faut saisir le caractère procédural de l'éclairage.

En principe, pour les grandes scènes, il convient de régler d'abord l'éclairage de scène, puis la lumière principale. Pour les petites scènes, on place d'abord la lumière principale, puis on ajuste la lumière d'arrière-plan ; enfin, on vérifie l'intégrité de la lumière utilisée lors de l'enregistrement d'essai. Il faut éviter ou éliminer les ombres, les ombrages, les chevauchements de lumière, l'expansion artificielle des zones d'ombre et autres effets.

Deux points fondamentaux : l'éclairage de base, dont l'intensité lumineuse globale est contrôlée entre 800 et 1 000 lux. L'éclairage des différentes zones : l'éclairement de la zone frontale est compris entre 2 000 et 2 500 lux, celui de la zone centrale entre 1 500 et 2 000 lux. Enfin, la forme de base : il est important de bien modéliser les vues aériennes et l'arrière-plan, et de créer une atmosphère particulière.

Trois étapes clés : 1. En partant de la réalité, formuler un plan de conception scientifique, réalisable et raisonnable. Un éclairage réussi repose sur une solution de conception efficace. Le concepteur lumière doit se baser sur le scénario, prendre comme principe le concept global du réalisateur, se baser sur la scène spécifique, prendre les acteurs et le décor comme modèles, utiliser divers luminaires et systèmes de contrôle d'éclairage pour concevoir et créer, et concevoir un ensemble complet et rigoureux. Le plan de mise en œuvre doit servir les intérêts du public et atteindre l'objectif et l'effet escomptés.

Lors des préparatifs, l'essentiel pour l'éclairagiste est de bien comprendre les exigences spécifiques du metteur en scène en matière d'éclairage et d'esthétique scénique. Son concept doit également s'intégrer à la conception globale du metteur en scène et, grâce à une communication régulière, s'inspirer mutuellement pour parvenir à un consensus. Il faut ensuite générer des « créations secondaires » pour peaufiner le concept.

L'ingénieur lumière doit également communiquer efficacement avec le concepteur artistique, comprendre parfaitement le plan de conception artistique, maîtriser les matériaux, la structure, la réflectivité et l'emplacement des ajouts, afin que la scène et la lumière soient interdépendantes et mutuellement interdépendantes. L'amélioration de la qualité produit le meilleur effet artistique. En maîtrisant parfaitement le contenu et la structure du programme, le budget global que le groupe peut investir dans le métier de l'éclairage et la répartition précise des différentes lampes, il doit élaborer un plan de conception d'éclairage opérationnel et réalisable. Ensuite, il est nécessaire de travailler avec rigueur et minutie, et le travail est réalisé.

Une installation et une mise en œuvre de qualité sont essentielles à un éclairage réussi. Une fois le budget et les lampes définis, les étapes suivantes doivent être soigneusement réalisées : vérifier au préalable la sécurité et l'intégrité de tous les types de lampes ; vérifier l'isolation électrique et d'autres aspects ; mettre au point l'ensemble du système de contrôle d'éclairage, en particulier la gradation, l'éclairage, les éclairages d'ordinateur, les changeurs de couleurs, etc., afin d'être prêt et fiable. Enfin, enregistrer avec précision, embellir l'image autant que possible et répondre aux exigences de modélisation d'éclairage de la soirée.

Le niveau d'effet lumineux est la matérialisation de la réussite de l'éclairage. Le plan de conception préliminaire ne présente que le cadre et la structure d'ensemble, qui constituent l'effet attendu, tandis que les répétitions et la marche sur scène constituent l'étape de conception concrète permettant à l'éclairagiste d'entrer en scène. Le concepteur lumière peut mieux comprendre le spectacle en observant les acteurs répéter et marcher sur scène. En fonction des exigences générales de la scène, il doit ajuster et concevoir le ton général de chaque scène et de chaque section, ainsi que leurs liens, donner le ton à chaque programme et à chaque scène, et déterminer les moyens à utiliser pour refléter la maîtrise des mouvements, des variations de tempo, etc. En termes de compétences, le principe de tonalité de chaque programme doit reposer sur une couleur de base, complétée par d'autres couleurs, reflétant la hiérarchie des relations primaires et secondaires et une perception des mouvements. en termes de correspondance des couleurs, elle doit être juste et le changement des tons chauds et froids doit être le même que la saturation des couleurs. Les changements d'intensité doivent être appropriés, en utilisant différentes méthodes d'éclairage et différents éclairements pour refléter la hiérarchie des perspectives de la scène, améliorer le sens de la perspective et éviter de faire de l'image un plan ; l'utilisation de lumières mobiles doit être raisonnable et cohérente avec le rythme du programme ; éviter l'apparition de chaque programme La pratique consistant à épuiser tous les effets et moyens de lumière évite de donner aux gens le même sentiment ennuyeux.

En bref, c’est seulement en maîtrisant parfaitement les techniques d’éclairage que nous pouvons créer des effets artistiques satisfaisants pour le spectacle de variétés.