Die „große Produktion“ der Bühnenkunst muss einen Abschluss haben

Es besteht kein Zweifel daran, dass die Bühnenkunst Innovation und Entwicklung benötigt. Wie diese Innovation und Entwicklung aussehen kann, ist jedoch einer eingehenden Untersuchung und Diskussion wert. In den letzten Jahren ist die Zahl der großen Produktionen auf der Opernbühne rasant gestiegen. Jedes Stück kostet Millionen von Dollar, und mehr als die Hälfte dieser Mittel wird für die Bühnenkunst ausgegeben. Die meisten Kollegen widmen sich der Innovation und Entwicklung der Bühnenkunst, was jedoch auch zu zahlreichen Problemen in der Branche führt. Ich bin nicht gegen große Produktionen, aber „groß“ muss einen „großen“ Grund haben.

Man muss zugeben, dass viele „große Produktionen“ der Opernbühnengestaltung im Allgemeinen erfolgreich sind. Sie nutzen moderne Hightech-Mittel wie computergestützte dreidimensionale Animationsprojektionssets, Computerlichter, Laserlichter, Trockeneis, Computermischpulte, Mikrofone (Headsets, Brustmikrofone usw.) und andere technische Mittel für Ton, Licht, Chemie und Elektrizität voll aus, um eine dynamische, farbenfrohe, prächtige und farbenfrohe Bühnenkunst zu schaffen, die eine wichtige Rolle bei der Gestaltung des Images der Schauspieler, dem Ausdruck der Gedanken und Gefühle der Charaktere, der Schaffung einer Opernbühnenumgebung und der übertriebenen Atmosphäre der Opernbühne gespielt hat. Besonders lobenswert ist, dass diese „großen Produktionen“ der Operntanzschönheit mit ihren einzigartigen und unverwechselbaren künstlerischen Merkmalen der neuen Ära und ihren neuen Eigenschaften die Aufmerksamkeit eines großen Opernpublikums auf sich gezogen haben.

Aus der Perspektive der Akzeptanzästhetik besteht der größte Erfolg künstlerischen Schaffens darin, dem Publikum eine zufriedenstellende Antwort zu liefern. Bühnenkunst ist ein wichtiger Bestandteil des Theaters und anderer Bühnenaufführungen und umfasst Bühnenbilder, Beleuchtung, Make-up, Kostüme, Effekte, Requisiten und mehr. Ihre Aufgabe besteht darin, das äußere Erscheinungsbild der Umgebung und der Figuren im Stück zu gestalten und die Bühnenatmosphäre durch den Einsatz verschiedener plastischer Kunstmittel in einer einheitlichen künstlerischen Konzeption entsprechend dem Inhalt des Drehbuchs und den Aufführungsanforderungen wiederzugeben.

Ich denke, dass wir, solange es die Bedingungen erlauben, alles tun sollten, was zur Erfüllung dieser Aufgabe beiträgt, und Entwicklung und Innovation mutig vorantreiben sollten. Wir sollten aber auch erkennen, dass einige „Großproduktionen“, die im Namen von Innovation und Entwicklung von dieser Aufgabe abweichen und reine „Angeberei“ sind, tatsächlich viele negative Auswirkungen haben: Erstens haben sie zu einem gravierenden Ungleichgewicht des wirtschaftlichen Nutzens geführt. Zweitens verletzen sie die ästhetischen Merkmale der Opernkunst selbst. Drittens behindern sie die Entwicklung der Oper zu einem breiten kulturellen Markt. Viertens ersetzen Technologie die Kunst und Computer das menschliche Gehirn. Die Menschen sehen nur den technologischen Inhalt, nicht aber den künstlerischen. Der Autor ist seit langem als Drehbuchautor tätig. Aus der Perspektive des Drehbuchschreibens denke ich, dass die Entwicklung und Innovation unserer Bühnenkunst zumindest den folgenden Grundprinzipien folgen sollte: Erstens sollte sie die Charakterbildung fördern und zweitens die Schaffung und Gestaltung des Dramas unterstützen. Der Aktionsraum sollte drittens dazu beitragen, die Umgebung und den Ort der Handlung zum Ausdruck zu bringen, viertens sollte er dazu beitragen, eine emotionale Atmosphäre zu schaffen, fünftens sollte er dazu beitragen, dramatische Ideen zu enthüllen, und sechstens sollte er sein Bestes geben, um mit dem geringsten Aufwand die beste künstlerische Wirkung zu erzielen.

Die Bühnenkunst der Huangmei-Oper „Die Frau aus Huizhou“ gilt als Beispiel für Innovation und Entwicklung auf der Opernbühne der letzten Jahre. Ihre Besonderheiten liegen in der Verwendung von Lichtfarben und der einzigartigen künstlerischen Umsetzung. Der Designer griff die Lichttechniken des Dramas auf, übertrieb und integrierte die Schönheit der damaligen Zeit in die Kunst der Huangmei-Oper, sodass die hellen Flecken und kontrastierenden Farbwechsel in der Bühnenaufführung von „Hui“ perfekt zur Handlung passen. So schießt beispielsweise in der Prologszene ein weißer Lichtstrahl gen Himmel und trifft auf die große Sänfte in der Mitte der stockdunklen Bühne, die dadurch vollständig unter den Lichtstrahl gerückt wird.

Zu diesem Zeitpunkt, begleitet vom Auf und Ab der Musik und mit der roten Sänfte als Hauptdarsteller, füllte sich die Bühne plötzlich mit Rot und Lila, wodurch eine feurige Willkommensszenerie entstand, die den stillen und leeren Himmel rot färbte und das etwas abgelegene Bergdorf plötzlich zum Kochen brachte. Zu diesem Zeitpunkt ist die Beleuchtung in kräftigen Farben gehalten, wodurch das Auf und Ab der gesamten Szene mit kräftigen und großflächigen warmen Farben hervorgehoben wird, sodass die Menschen jede Atmosphäre und jeden momentanen Wandel spüren und die äußere Form und Konnotation der Kunst wirklich in Einklang gebracht werden. Ein weiteres Beispiel ist die „Pan“-Szene im Stück. Vor der leeren Bühne steht auf der Plattform ein großes geschnitztes Bett im traditionellen Hui-Stil. Die Szenerie erinnert an die Inneneinrichtung eines alten und einfachen Bergdorfs.

Die Güte und Einfachheit der „Huizhou-Frauen“ und ihre Sehnsucht nach einem besseren Leben lassen ihre Seelen wie leere, kalte Häuser erscheinen, bleich und hilflos. Neben der grundlegenden Farbgebung der Beleuchtung gibt es eine Reihe künstlerischer Formen, die dem Schönheitsdrang der „Huizhou-Frauen“ folgen. Die Schauspieler agieren geschickt auf einem großen transparenten Bett und zeigen den Lebensdrang einer Frau nach feudalem Brauch noch lebendiger und übertriebener. Auf dem Höhepunkt der Handlung durchdringt das blendende Gegenlicht die Schneeflocken und Querlichter auf der Bühne und erzeugt eine unendliche künstlerische Schönheit.

In der „Rückkehr“-Szene der letzten Szene vermittelt die Beleuchtung einen sehr konnotativen Eindruck. Die Straßenszene des abgelegenen Bergdorfs, die Mauerreste und die tiefen Gassen wirken im Widerschein der schräg einfallenden Sonne fleckig und wachsgelb, und die Lichter folgen jedem Schritt der „Huizhou-Frau“ und zeichnen Schicht für Schicht einen steinernen Pfad, der in die Ferne führt. Es gibt auch eine Reihe grüner Lichtquellen, die das Leben symbolisieren und die Figur einer Frau schlank und lang erscheinen lassen, was die unendliche Ausdehnung des künstlerischen Lebens andeutet und zugleich einen nie endenden Lebensweg symbolisiert, der das Publikum zum Verweilen und Träumen anregt. Diese gegenseitige Vertrautheit mit dem Gesamtkunstwerk lässt uns die wesentliche Sublimierung der Kombination von Licht und künstlerischer Ästhetik erkennen.

Ein wichtiges künstlerisches Merkmal der traditionellen Opernbühne ist ihre „Virtualität“. Die Beziehung zwischen virtuell und real zu gestalten, ist ein zentrales Thema der Bühnenkunst. Das Bühnenbild ist das Bühnenbild, das das reale Bühnenbild für das virtuelle Drama nutzt. Alle Bühnenbilder und Räume auf der Bühne sind hypothetisch. Eine Szene oder ein Block kann eine Wand, eine Tür, ein Berg usw. sein, ganz einfach. Die reale Schöpfung, und der Teil über der Bühne ist die wahre Schatzkammer, die Geburtsstätte der unendlichen Träumerei des Publikums.

Man kann sagen, dass das Bühnenbild den Raum über der Bühne durch die Planung der realen Kulisse verwalten soll, und die Hauptaufgabe des Entwurfs besteht darin, das "Leere" und nicht das "Reale" darzustellen. Realistisches Drama (Drama) erfordert von den Schauspielern, einen Dreh- und Angelpunkt zu schaffen, der der Logik des Lebens entspricht. Wie Türen, Fenster, Balkone, Tische und Stühle, Hänge, Baumstümpfe usw.

Dies erfordert von den Bühnenbildnern, das alltägliche Leben sorgfältig zu beobachten und zu analysieren und es in der Schöpfung zu verfeinern und zu verarbeiten. Bei der Aufführung realistischer Stücke muss die Bühnenkunst den Aufführungsraum organisieren und begrenzen, Schauspieler auf und hinter der Bühne bereitstellen, Kulissen und Requisiten arrangieren und sie den Bedürfnissen der Figuren im Stück anpassen. Mit der zunehmenden Zahl großformatiger Theateraufführungen hat sich die Bühnengestaltung allmählich von der Bühne auf große Bühnen wie Studios, Plätze und Turnhallen verlagert.

Das Bühnenbild dieser großen Kulturabende ist ein Produkt der wirtschaftlichen Entwicklung und der Fortführung der Theaterkunst. Majestätische Szenen, luxuriöse Installationen, blinkende Lichter, ungewöhnliche Kostüme usw. lassen Bühnenbildner allmählich die Bedeutung der „Kunstverpackung“ erkennen. Mit der Entwicklung von Wissenschaft und Technologie, der Verbesserung der Lichtproduktion und der Steuerungstechnik ist die Beleuchtung zu einem wichtigen Bühnenvokabular geworden, und der Einsatz neuer Materialien hat die Ausdruckskraft der Bühnenkunst erheblich bereichert.

Lyrik ist ein ästhetisches Merkmal der chinesischen Oper. Es ist nicht ratsam, die realistische Inszenierung eines Dramas auf die Bühne zu übertragen, da dies dazu führt, dass man Dinge, aber keine Menschen sieht und die Vorstellungskraft des Publikums blockiert wird. Es ist auch nicht ratsam, die „Theorie aufheben“ und die Bühne mit einfachen Mitteln oder „der Armut“ blass und ärmlich erscheinen zu lassen. Bei jeder künstlerischen Innovation stellt sich die Frage nach dem Grad der Akzeptanz durch das Publikum.

Die Innovation der traditionellen Bühne mit harter Schale muss die Beziehung zwischen „Grad“ und dem Geschmack und den Gewohnheiten des Publikums kontrollieren. Die Positionierung der Innovation sollte auf ihren eigenen künstlerischen Merkmalen basieren und nach kreativen Mitteln suchen, die sich von anderen Künsten unterscheiden und voller Ausdruckskraft sind, um die eigenen Bühnenbildmerkmale unverwechselbarer, eindrucksvoller und intensiver zu gestalten. Bühnenkunst braucht Innovation und Entwicklung, aber Innovation und Entwicklung bedeuten nicht, Geld für Wettbewerbe auszugeben. Die Maximierung der besten künstlerischen Wirkung mit minimalen Investitionen sollte weiterhin als wichtiger Beitrag des Bühnenkunstpersonals zur Bühnenkunst angesehen werden!