La « grande production » d'art scénique doit avoir un diplôme

Il ne fait aucun doute que les arts de la scène ont besoin d'innovation et de développement, mais les moyens d'innover et de se développer méritent d'être étudiés et débattus plus avant. Ces dernières années, les « grandes productions » sur la scène lyrique ont connu un essor fulgurant, générant des millions de dollars par représentation, et plus de la moitié des fonds sont consacrés aux arts de la scène. La plupart de mes collègues se consacrent d'abord à l'innovation et au développement des arts de la scène, mais cela engendre également de nombreux problèmes pour le secteur. Je ne suis pas opposé aux « grandes productions », mais « grandes » doit avoir une raison d'être.

Il faut reconnaître que de nombreuses « grandes productions » de scénographies d'opéra sont généralement réussies. Elles exploitent pleinement les technologies de pointe modernes, telles que les plateaux de projection d'animation tridimensionnelle par ordinateur, les éclairages informatiques, les lasers, la glace carbonique, les mixeurs informatiques, les microphones (casques, microphones de poitrine, etc.) et autres techniques de son, lumière, chimie et électricité, pour créer une scénographie dynamique, colorée et grandiose, qui a joué un rôle important dans la formation de l'image des acteurs, l'expression des pensées et des sentiments des personnages, la création d'une ambiance scénique et l'amplification de l'atmosphère de la scène. Il est particulièrement remarquable que ces « grandes productions » de beauté lyrique aient attiré l'attention d'un large public par leurs caractéristiques artistiques uniques et distinctives, propres à la nouvelle ère.

Du point de vue de l'esthétique de l'acceptation, la plus grande réussite d'une création artistique réside dans sa capacité à apporter une réponse satisfaisante au public. Les arts de la scène jouent un rôle important au théâtre et dans les autres spectacles, incluant les décors, les éclairages, le maquillage, les costumes, les effets spéciaux, les accessoires, etc. Leur rôle est de créer l'image extérieure de l'environnement et des personnages de la pièce, et de restituer l'atmosphère scénique en utilisant divers moyens plastiques dans une conception artistique unifiée, conforme au contenu du texte et aux exigences du spectacle.

Je pense que tout ce qui est propice à l'accomplissement de cette tâche, tant que les conditions le permettent, nous devons nous mobiliser et poursuivre avec audace le développement et l'innovation. Cependant, il faut aussi reconnaître que certaines « grandes productions » qui s'écartent de cette mission au nom de l'innovation et du développement, et qui ne sont que pures démonstrations, ont effectivement eu de nombreux effets négatifs : premièrement, elles ont entraîné un grave déséquilibre des bénéfices économiques ; deuxièmement, elles portent atteinte aux caractéristiques esthétiques de l'art lyrique ; troisièmement, elles entravent le développement des opéras vers un large marché culturel ; quatrièmement, la technologie remplace l'art, et les ordinateurs le cerveau humain. Le public ne perçoit que son contenu technologique, mais pas son contenu artistique. L'auteur scénarise pour le théâtre depuis longtemps. Du point de vue de l'écriture de scénarios, je pense que le développement et l'innovation de notre art scénique devraient au moins respecter les principes fondamentaux suivants : premièrement, favoriser la formation des personnages ; deuxièmement, favoriser la création et l'organisation du théâtre. L'espace d'action, troisièmement, il doit être propice à l'expression de l'environnement et du lieu où se déroule l'action, quatrièmement, il doit être propice à la création d'une atmosphère émotionnelle, cinquièmement, il doit être propice à la révélation d'idées dramatiques, et sixièmement, il doit faire de son mieux pour obtenir le meilleur effet artistique avec le plus petit investissement.

Ces dernières années, la scénographie de l'opéra Huangmei « La Femme de Huizhou » est considérée comme un exemple d'innovation et de développement. Ses caractéristiques les plus originales résident dans l'utilisation de couleurs lumineuses et un traitement artistique unique. Le concepteur a emprunté les techniques de traitement de la lumière de la pièce, exagérant et intégrant la beauté de l'époque à l'art de l'opéra Huangmei, de sorte que les points lumineux et les changements de couleurs contrastés de la représentation de « Hui » résonnent avec l'intrigue. Par exemple, dans la scène du prologue, un faisceau de lumière blanche jaillit dans le ciel et frappe la grande chaise à porteurs au centre de la scène plongée dans l'obscurité totale, la plaçant entièrement sous le faisceau lumineux.

À ce moment, accompagnée par les hauts et les bas de la musique, et sous la conduite de la chaise à porteurs rouge, la scène s'est soudain teintée de rouge et de violet, transformant la scène en une scène chaleureuse et accueillante, teintant de rouge le ciel calme et vide, et faisant surgir le village de montagne, légèrement isolé, en ébullition. À ce moment, l'éclairage est représenté par des couleurs intenses, soulignant les hauts et les bas de la scène avec des couleurs chaudes, puissantes et à grande échelle, permettant aux spectateurs de ressentir chaque atmosphère et chaque changement momentané, harmonisant véritablement la forme extérieure et la connotation de l'art. Un autre exemple est la scène « Pan » de la pièce. Au premier plan de la scène vide, un grand lit sculpté de style Hui est posé sur l'estrade. Le décor rappelle l'intérieur simple et ancien d'un village de montagne.

La gentillesse et la simplicité des « femmes de Huizhou » et leur aspiration à une vie meilleure, leurs âmes telles des maisons vides et froides, paraissent pâles et impuissantes. Outre le traitement des tons, une série de formes artistiques répond au désir de beauté des « femmes de Huizhou », permettant aux acteurs de jouer ingénieusement sur un grand lit transparent et dépeignant avec plus de vivacité et d'exagération une femme soumise aux préceptes traditionnels féodaux. Son désir de vivre. Au point culminant de l'intrigue, un contre-jour éblouissant transparaît dans les flocons de neige et les reflets sur la scène, créant une beauté artistique infinie.

Dans la scène du « retour » de la dernière scène, l'éclairage est très suggestif. Les rues d'un village de montagne isolé, les vestiges de murs et les ruelles profondes, sous le reflet d'un soleil oblique, apparaissent marbrées d'un jaune cireux. Les lumières suivent chaque pas de la « femme de Huizhou » pour dessiner, couche par couche, un chemin de pierre menant au lointain. On y trouve également une multitude de sources lumineuses vertes symbolisant la vie, allongeant et élançant la silhouette d'une femme, suggérant l'infinité de la vie artistique et symbolisant un chemin de vie sans fin, invitant le spectateur à la contemplation et à la rêverie. Cette complicité avec l'œuvre globale nous fait saisir la sublimation essentielle de la combinaison de la lumière et de l'esthétique artistique.

Une caractéristique artistique importante de la scène d'opéra traditionnelle est sa « virtualité ». Gérer la relation entre virtuel et réel est un enjeu clé de la scénographie. La conception de la scène théâtrale est le décor, utilisant le décor réel au service du drame virtuel. Tous les décors et espaces scéniques sont hypothétiques. Une scène ou un bloc peut être un mur, une porte, une montagne, etc., ce qui est simple. La création réelle, et la partie au-dessus de la scène, est le véritable trésor, berceau de la rêverie infinie du spectateur.

On peut dire que la scénographie vise à gérer l'espace au-dessus de la scène en planifiant le décor réel, et sa principale tâche est de représenter le « vide » plutôt que le « réel ». Un drame réaliste exige des acteurs qu'ils fournissent un point d'appui conforme à la logique de la vie, comme des portes, des fenêtres, des balcons, des tables et des chaises, des collines, des souches d'arbres, etc.

Cela exige des concepteurs une observation et une analyse attentives de la vie quotidienne, puis une adaptation et une transformation de ces éléments lors de la création. Dans la représentation de pièces réalistes, les arts de la scène doivent organiser et délimiter l'espace de représentation, fournir des acteurs sur scène et en dehors, disposer les décors et les accessoires, et les adapter aux besoins des personnages. Avec la multiplication des représentations théâtrales de grande envergure, la scénographie s'est progressivement déplacée de la scène vers des espaces de grande envergure tels que des studios, des places et des gymnases.

La scénographie « à grand spectacle » de ces grandes soirées culturelles est en réalité le fruit du développement économique et de la survie et du développement de l'art théâtral. « Scènes majestueuses, installations luxueuses, lumières éclatantes, costumes insolites », etc., font progressivement prendre conscience aux scénographes de l'importance de l'« emballage artistique ». Avec le développement des sciences et des technologies, l'amélioration de la production d'éclairage et des techniques de contrôle, l'éclairage est devenu un élément essentiel du vocabulaire scénique, et l'utilisation de nouveaux matériaux a considérablement enrichi la force expressive de l'art scénique.

Le lyrisme est une caractéristique esthétique de l'opéra chinois. Il est déconseillé d'appliquer le réalisme dramatique à la scène d'opéra, car cela conduirait à voir des choses sans voir les gens, et à bloquer l'imagination du public. Il est également déconseillé à ceux qui « annulent la théorie » de rendre la scène pâle et pauvre en utilisant des méthodes simplistes ou en « traitant de la pauvreté ». Toute innovation artistique se pose un problème de « degré », c'est-à-dire de savoir si elle peut être acceptée par le public.

L'innovation sur une scène traditionnelle à coque rigide doit maîtriser le rapport entre le degré d'appréciation et les goûts et habitudes du public. Le positionnement de l'innovation doit s'appuyer sur ses propres caractéristiques artistiques, en recherchant des moyens créatifs distinctifs des autres arts et expressifs, afin de rendre ses propres éléments scénographiques plus distinctifs, plus impressionnants et plus intenses. L'art scénique a besoin d'innovation et de développement, mais cela ne signifie pas dépenser de l'argent en concours. Maximiser l'effet artistique avec un investissement minimal reste une contribution importante des professionnels de la scène.